Vamos a dejar un lado la ópera (igual debería hacer otro blog sobre musicales) para comentar una obra un tanto peculiar.
Cats (Gatos) es un musical en dos actos con música de Andrew Lloyd Webber y libreto de T.S. Elliot, con letras adicionales de Trevor Nunn y Richard Stilgoe, estrenado en el New London Theatre del West End londinense el 11 de mayo de 1981.
Tiene una duración aproximada de 120 minutos (dos horas).
BREVES DATOS HISTÓRICOS
Lloyd Webber le tenía un especial aprecio al libro de poemas de T.S Elliot, Old Possum's Book of Practical Cats, ya que era el favorito de su niñez y empezó a componerle música a los poemas en 1977. En un principio, no iba a ser un espectáculo musical sino un ciclo de canciones y así se presentó en 1980. Sin embargo, el productor Cameron Mackintosh, vio que las canciones podían formar la base de un nuevo musical, así que Webber compuso más números, para los cuales utilizó otros poemas de Elliot para añadir más material, siendo "Memory" con letras adicionales de Trevor Nunn, el más conocido.
La obra cuando se estrenó alcanzó un éxito rotundo tanto de crítica como de público y estuvo en cartel durante 21 años, siendo uno de los shows más longevos de la capital británica. Ha sido traducido a doce idiomas y en ninguno de ellos se ha traducido el título. También ha ganado varios premios. En Diciembre de 2019 se estrenó una versión cinematográfica de la obra, pero ésta ha sido un fracaso. A pesar de todo, Cats, es uno de los musicales más famosos de Lloyd Webber.
ARGUMENTO
La acción transcurre en un escenario único, un basurero de una gran ciudad, en la época actual. Dada las características de la obra, no voy a precisar un tipo de voz para los personajes.
ACTO I: When cats are maddened by the midnight dance (Cuando los gatos enloquecen por la danza nocturna)
Es media noche y un grupo de gatos sale de su escondite. Son los gatos Jellicle, una tribu con sus propias normas y cada uno de sus miembros tiene una personalidad distinta así como un nombre.
Esa noche, los gatos Jellicle van a celebrar un baile, ya que se reunen una vez al año con la esperanza que el jefe del tribu, el Viejo Deuteronomio decida cuál de entre ellos renace en una nueva vida. Entre ellos hay varios candidatos como Rum Tum Tigger, Busthopher Jones o Mungojerrie y Rumpleteazer.
Tiene lugar el baile, pero por lo pronto el viejo Deuteronomio no elige nadie. A él se presenta Grizabella, una gata que abandonó el clan para ver el mundo y por ello el resto de los gatos la marginan y la dejan de lado. Grizabella intenta bailar, pero debido a su avanzada edad, no puede terminar el baile y se queda desolada.
ACTO II: Why will the summer delay? When will time flow away? (¿Por qué se retrasará el verano? ¿Cuándo volará el tiempo?
El Viejo Deuteronomio hace una reflexión sobre la felicidad que los gatos más jóvenes no logran entender. Una gata, Jemina, lo simplifica. Siguen postulándose para conseguir esa nueva vida otros gatos, como Gus, el gato teatral o Skimbleshanks, el gato del tren.
Entre tanto, un gato malvado llamado Macavity ha logrado secuestrar al Viejo Deuteronomio. Los otros se dan cuenta y van a buscarlo cuando de pronto vuelve Macavity disfrazado de él. Es descubierto por otra gata, Démeter y así se inicia una lucha entre los gatos Jellicle y Macavity. Ganan los Jellicle y Macavity desaparece, pero no han encontrado al Viejo. Entonces, Rum Tum Tigger, presenta al gato mago, el Señor Mistoffeles, que con sus trucos, logra encontrarlo.
Una vez de vuelta, el Viejo Deuteronomio, puede decidir quien se merece una nueva vida. Aparece de nuevo Grizabella, quien no se rinda y entona una canción, la cual no puede llegar a terminar.
Otra gata más joven la ayuda y así consigue terminarla, conmoviendo a todos y siendo de nueva aceptada en el clan. Deuteronomio decide que será Grizabella la que tenga el honor de pasar a la Capa Heaviside (HeavisideLayer en el original). Grizabella sube y así, Deuteronomio se dirige a los humanos para reclamar respeto hacia los gatos ya que, en ciertos aspectos somos iguales. Amanece, y los gatos se retiran.
Cuando pensamos en ópera casi siempre se nos vienen a la cabeza historias trágicas o épicas. Ya habréis visto en este blog que no siempre es así, y podemos encontrar obras de todo tipo. En este caso tenemos un cuento de hadas con todo lo que ello implica.
A Humperdinck le interesaban particularmente los cuentos de hadas, así como la música popular. Lo que en un principio iba a ser un conjunto de canciones, acabó siendo una ópera bastante moderna, pero que a su vez resulta muy cercana.
Para entender Hansel y Gretel no hace falta tener grandes conocimientos musicales ni tampoco literarios. Simplemente ganas de pasarlo bien y de volver a conectar con ese niño interior que llevamos dentro y que, por motivos sociales, no lo solemos sacar muy a menudo.
En el aspecto dramatúrgico la libretista (y es uno de los pocos casos que el libreto lo firma una mujer) cambia algunos aspectos del cuento original, ya que parece ser según los Hermanos Grimm, es la madre la que abandona a posta a los niños en el bosque para que se mueren y así poder sobrevivir ella con su marido. En otra versión, es una madrastra que manipula a su marido, el padre de los niños (un hombre bastante bonachón pero de poca personalidad a hacerlo). Aquí, en cambio, vemos que el papel de la madre es una mujer severa, pero que ama a sus hijos y simplemente los envía al bosque a hacer un mandado sin malicia alguna. También es signficativo el cambio de profesión; mientras que en el cuento original es un leñador, aquí es un artesano fabricante de escobas. Así mismo, la aparición del Arenero, los Ángeles y demás, son motivos más bien poéticos y líricos, quizás para alargar un poco más la trama y también para dar mayor énfasis en el folclore.
En cuanto a los niños convertidos en pan de jengibre... creo recordar haber leído una versión del cuanto en el que eso pasa, y en otras simplemente todo el protagonismo se lo llevan la pareja de hermanos. En cualquier caso, encontramos los personajes típicos: un padre bonachón, una madre severa, unos niños traviesos y una bruja malvada. En este caso, no es casualidad que al padre lo hayan llamado Peter (Pedro) y que sea muy cristiano, probablemente para dar alusión al primer Apóstol. No obstante, el cuento para las sensibilidades de los centenials, es quizás muy brutal, pues incluye escenas de abandono y canibalismo así, como explotación infantil, secuestro de menores e incitación a malos hábitos alimenticios, por no mencionar la construcción ilegal de viviendas en terreno no urbanizable. Vamos, una joyita el cuento.
Obviamente, no hay que tomárselo al pie de la letra y hay que tomar la historia como eso, un cuento de hadas, que enseña a los niños a no fiarse de los desconocidos y que toda mala acción tiene su castigo.
A nivel musical, Humperdinck tomó de Wagner el uso de los leitmotivs y la orquestación. En la obertura ya se exponen temas que luego el compositor expondrá a lo largo de la obra (como el coro final de niños). El tema de la bruja también aparece y vemos cómo los personajes se expresan a través de canciones y ritmos populares, siendo el resultado una música más pegadiza y más accesible que la de Wagner. En algunos montajes, el papel de la bruja es interpretado por un tenor en vez de una mezzosoprano, quizás para darle una personalidad más malvada al personaje, aunque personalmente no le veo la gracia. Yo tuve la suerte de ver esta ópera en directo en París y la verdad es que guardo muy buen recuerdo de ella sobre todo porque la puesta en escena no fue una ida de olla como se suelen ver actualmente en los escenarios con otros títulos. No obstante, al ser un título pensado para niños, suelen respetar bastante el contexto original.
En resumidas cuentas, es una ópera muy fácil de escuchar y también es muy adecuada para ver en familia. Lo que se puede aprender de ella... pues que si vas a hacer senderismo lleva un móvil con batería por si te pierdes poder llamar. Y a no fiarte de desconocidos. Y a no comerte las casas de los demás.
GRABACIONES
CD
Compré este cd a muy bien precio de segunda mano y no me arrepiento. Según el libreto, ésta fue la primera grabación de la ópera y por tanto sirve de referencia. Karajan dirige la orquesta con precisión y el equipo de cantantes está muy bien escogido, destacando la Gretel de Schwarzkopf.
DVD
En cuanto al mercado audiovisual, encontramos varios montajes. Éste en concreto está dirigido por Chirstian Thielemann desde la Ópera de Viena y es realmente muy agradable de ver. Las dos solistas interpretan muy bien sus papeles y la Bruja más que malvada es repelente, todo en una puesta en escena correcta.
Para la próxima entrega había pensado en tratar otro título de Rossini, uno no muy conocido pero dado que no hace mucho han estrenado una película sobre un musical muy famoso y que al parecer ha sido un completo desastre, he decidido que voy a escribir sobre ello. Así voy intercalando más obras escénicas.
Iniciamos este año 2020 con un cuento de hadas. Y es que para empezar con buen pie he preferido escoger un título con final feliz antes de tratar alguna tragedia donde el tenor muere apuñalado por barítono y a la soprano se la va pinza y en consecuencia, se muere del asco tras una brillante cabaletta. Ya habrá tiempo. La ópera de esta entrega es alta en azúcar así que tened cuidado los diabéticos.
Hansel y Gretel (Hänsel und Gretel) es una ópera en tres actos con música de Engelbert Humperdinck y libreto de Adelheid Wette, estrenada en el Teatro Principal (Hoftheater) de Weimar, el 23 de diciembre de 1893.
Tiene una duración aproximada de 110 minutos (Una hora y cincuenta minutos).
BREVES DATOS HISTÓRICOS
Humperdinck tenía treinta y seis años cuando le vino la oportunidad de componer una ópera. Hasta entonces, no había compuesto nada de particular aparte de sus piezas para el Conservatorio de Colonia y de Múnich. También trabajaba como asistente de Richard Wagner en su Festival de Bayreuth.
La idea de componer música para el cuento de Hansel y Gretel le vino por encargo de su hermana, Adelheid, quien se había casado con el escritor Hermann Wette. Adelheid estaba escribiendo una obra infantil basada en el cuento de los hermanos Grimm y le pidió a su hermano que le compusiera música incidental. Humperdinck aceptó y en un principio iba a ser un singspiel, esto es, con diálogos hablados. Pero a lo tonto, se fue animando y al final acabó componiendo una ópera entera.
En un principio, la ópera estaba prevista para estrenarse el 14 de diciembre de 1893, bajo la dirección de Hermann Levi (quien también dirigió la primera representación de Parsifal de Wagner), pero la soprano que hacía de Gretel se puso mala y se tuvo que posponer para la fecha en la que se estrenó finalmente, siendo Richard Strauss (quien tenía por aquel entonces 29 años) su director. La ópera fue un éxito rotundo. Hoy en día es la más representada del compositor.
ARGUMENTO
La acción transcurre en Alemania (probablemente en la Selva Negra) en una época indeterminada.
ACTO I
Interior de la casa de Hansel y Gretel
Érase una vez, hace mucho tiempo vivía en una pequeña cabaña una familia compuesta por cuatro miembros: Peter, un fabricante de escobas, su mujer, Gertrud y sus hijos, Hansel y Gretel. Éstos se encuentran solos en la casa remendando algunas escobas.
Gretel (soprano lírica) canta para entretenerse mientras Hansel (mezzosoprano) la interrumpe con otra. Hansel se lamenta de su pobreza, pues llevan un tiempo sólo a base de pan y agua. Gretel, por su parte trata de consolarlo aludiendo a uno de los proverbios que les dice su padre, "Dios proveerá". Pero Hansel no está muy por la labor. Posteriormente, Gretel le comenta que una vecina les ha traído un cuenco con leche y le asegura que su madre hará un pudding de arroz con ella. Hansel intenta probar la nata de la leche, pero Gretel lo interrumpe. Animados, empiezan a cantar y bailar hasta que llega la Madre (soprano) y los sorprende. Se enfada y les echa la bronca por estar haciendo el ganso en vez de trabajar. Con el cabreo, tira sin querer el cuenco de leche. Para remediarlo, le da a sus hijos un cesto y les ordena que vayan al bosque a buscar fresas. Los niños obedecen y se van.
Poco después llega el padre (barítono) muy contento porque ha logrado vender todas las escobas que tenía y gracias a ello hoy podrán comer como reyes, ya que trae jamón, salchichas, huevos, mantequilla, harina y hasta algo de café. Cuando el padre pregunta por sus hijos, su mujer le cuenta todo lo sucedido y les dice que le ha mandado al bosque. El padre se echa las manos a la cabeza y le cuenta que allí vive la Bruja de Gengibre y que los niños corren peligro. Gertrud no sabía nada al respecto y el padre comenta que a media noche, la bruja sale en su escoba en busca de niños para comérselos. Asustada, Gertrud decide ir en busca de sus hijos, seguida por el padre, quien cierra la puerta de la cabaña.
ACTO II
Un claro en el bosque
Hansel está rellenando el canasto de fresas mientras Gretel hace una corona de flores. Los niños juegan y se comen todas las fresas, pero pronto cae la noche y se dan cuenta que se han perdido. Mientras llaman a sus padres, sus gritos atraen al arenero o hada del sueño (soprano lírica), quien les echa arena en los ojos para que se duermen.
Poco a poco y después de rezar, caen profundamente dormidos. Su plegaria es atendida y un grupo de ángeles descienden del cielo para protegerlos de todo mal.
ACTO III
La casa de pan de jengibre
El hada del Rocío (soprano lírica) le echa agua en los ojos a los niños y los despierta tiernamente. Desaparece y tanto Hansel y Gretel comentan el sueño que han tenido. Poco después cuando la niebla que cubría el lugar va desapareciendo, los niños ven una casa hecha con pan de jengibre. Se acercan y Hansel rompe un trozo de una esquina. El ruido hace que una voz desde dentro. La ignoran y tanto Hansel como Gretel siguen picando de la casa hasta que finalmente sale la Bruja (contralto). Ésta logra capturar a Hansel con una cuerda y se presenta como Rosina Leckermaul (bocadulce) amante de los niños. Entre tanto, Hansel logra desatarse y anima a su hermana para huir de allí, pero la bruja saca su varita mágica y los inmoviliza. Mete a Hansel en una jaula y ordena a Gretel que vaya al interior y que ponga la mesa. Entre tanto la bruja va a cebar a Hansel.
Mientras lo hace, Gretel logra robarle la varita a la bruja y en un descuido de ella rompe el hechizo que impedía a Hansel moverse. Luego, la bruja le ordena a Gretel que mire en el horno para ver si el pan de jengibre está bien hecho, pero Gretel se hace la tonta y dice que no sabe. Cuando la bruja abre el horno y se inclina hacia dentro para mostrarle cómo se hace, Hansel sale de la jaula y junto con Gretel, la empujan a su interior, donde muere. El horno explota.
En consecuencia, todos los niños de pan de jengibre que había en la casa se vuelven humanos, aunque no se pueden mover. Gretel los va tocando para despertarlos y Hansel con la varita va deshaciendo el hechizo.
Poco después llegan Peter y Gertrud. Se reunen con ellos y se abrazan. Uno de los niños va al horno y saca de él a la bruja, quien se ha convertido en pan de gengibre. El padre les dice a los niños que ese el castigo divino para aquel que obra mal y recuerdo que Dios les tenderá la mano cuando la necesidad sea extrema. Todos contentos bailan alrededor de la familia.
Y colorín colorado, esta ópera-cuento, ha acabado.
Como en otros años cuando estamos en diciembre me gusta comentar obras de carácter navideño. Esta vez le toca a una obra a la que le tengo un cariño especial.
El Oratorio de Navidad (Weihnachts-Oratorium) es un conjunto de seis cantatas compuestas por Johann Sebastian Bach y libreto de Christian Friedrich Henrici "Piccander", estrenada en la Iglesia de San Nicolás y en la de Santo Tomás de Leipzig el 25, 26, 27 de diciembre de 1734 y el 1, 2 y 6 de enero de 1735.
La duración total es de 150 minutos (dos horas y media aproximadamente.)
BREVES DATOS HISTÓRICOS
Como un trabajo de rutina, Bach compuso una serie de cantatas para las fiestas de 1734 y para el año siguiente, estrenándose algunas primero en la iglesia de San Nicolás por la mañana y luego en Santo Tomás por la tarde o viceversa, aunque sólo la iglesia de San Nicolás que es la que veis en la foto, fue la que acogió todas las partes. Él mismo en la partitura original, así como en el libreto, las denominó Oratorio, si bien estaban pensadas no para ser interpretadas todas a la vez sino cada una para un día concreto. Esta práctica, al parecer, era bastante habitual en Alemania.
La música la recicló de otras cantatas seculares que había compuesto previamente, concretamente la 213, la 214 y la 215, menos para la sexta parte que tomó como base una cantata religiosa hoy en día perdida. Para la reelaboración de los textos, se supone que Bach contó con la ayuda de Picander, un libretista con quien colaboraba habitualmente, pero es algo que no está del todo confirmado.
La serie de cantatas se interpretaron también en años posteriores en los seis días programados hasta caer en el olvido, siendo 1744 y 1745 las últimas fechas conocidas. Tendríamos que esperar hasta el 17 de diciembre de 1857 cuando se volvieron a interpretar de nuevo, esta vez todas juntas en la Singakademie de Berlín. Después volvió a caer en el olvido hasta la segunda mitad del siglo XX con el redescubrimiento del barroco y a partir de entonces el oratorio ocupa el lugar que le merece.
ANÁLISIS Y ESTRUCTURA DE LA OBRA
Como ya he comentado antes, Bach organizó las cantatas para que se interpretaran en seis días señalados y cada uno ofrecía un sermón o un suceso narrativo en concreto. Luego él mismo las juntó y las llamó Oratorio. Todas tienen una estructura parecida, se abre con un coro inicial que da paso a los sermones del Evangelista interpretado por un tenor que narra las Escrituras, en este caso aquellas relacionadas con la Natividad. Entre tanto se intercalan corales de la tradición luterana, así como diversos recitativos y arias, interpretadas por solistas (ya sean tenor, soprano contralto o bajo) que hacen una reflexión poética sobre el sermón, para finalmente concluir con un coral. Cabe señalar que cada cantata recibe el nombre del primer número que la abre:
PARTE I: Para el primer día de Navidad (25 de diciembre). Jauchzet, Frohlocket, auf, preiset die Tage. (Alegraos, recocijaos, alabad este día.)
Con el sonido de la percusión y los metales, se inicia de forma triunfal un primer coro en Re mayor cuya música Bach la tomó de la cantata 214 y que fue escrita en honor al cumpleaños de la Reina de Polonia Maria Josefa.
Esta parte narra el nacimiento de Jesús. Estos hechos nos lo narra el Evangelista mediante unos cortos recitativos acompañados por un bajo continuo, lo habitual en el barroco. La cantata incluye también un aria para contralto, otra para la soprano y una para el bajo.
Se cierra con con un coral también en Re mayor, cuya melodía original fue compuesta por Lutero en 1539.
PARTE II: Para el segunda día de Navidad (26 de diciembre.) Und es waren die Hirten in derselben Gegend auf dem Felde. (Y cerca estaban los pastores en su propio campo.)
En esta parte Bach se centra en la Anunciación a los pastores, tal y como se narra en el Evangelio según San Lucas. A diferencia de la anterior y del resto de las demás partes, ésta no se inicia con un canto de entrada sino con un preludio instrumental en Sol mayor, siendo las grandes protagonistas las flautas. Esta cantata es de carácter bucólico y pastoril.
Incluye un aria para tenor con amplios pasajes de coloratura en Mi menor y un aria para la contralto que representaría a la Virgen María cantando una nana a su Niño.
El punto culminante lo encontramos en un coro de ángeles que alaba a Dios y desea la paz a los hombres de buena voluntad.
Al igual que el anterior, la cantata se cierra con otro coral donde las flautas tienen un gran protagonismo. De las seis cantatas, ésta es la más larga de las tres.
PARTE III: Para el tercer día de Navidad (27 de diciembre.) Herrscher des Himmels, erhöre das Lallen. (Señor de los cielos, atiende nuestras súplicas.)
Al igual que en la primera parte, volvemos con un coro en Re mayor también reciclado de la misma cantata del cumpleaños de la Reina María Josefa. El hecho que narra esta cantata es la adoración de los pastores. Un breve coro en La mayor interpretan las intenciones de los pastores de ir a Belén para adorar al niño.
Nos encontramos también con un dúo de la soprano y el bajo, así como un aria de la contralto que expresa los sentimientos de la Virgen María. Tras terminar la adoración al Niño, los pastores expresan su fervor en un coral en Fa sostenido menor, que es la escala menor relativa al La mayor creando un contraste entre la curiosidad inicial y la seriedad del momento.
La cantata se cierra de nuevo entonando el coro inicial, hecho que sólo sucede en esta parte.
PARTE IV: Para el día de año nuevo (1 de enero, fiesta de la circuncisión de Jesús). Fallt mit Danken, fallt mit Loben. (Arrodillaos en agradecimiento, arrodillaos en alabanza.)
En esta parte se centra en el nombre de Jesús y su adoración. El coro de entrada está escrito en Fa mayor, y fue utilizado para la cantata 213 con motivo de la celebración del onceavo cumpleaños del prínicpe Federico de Sajonia. Es una cantata bastante calmada y reflexiva.
Incluye un aria para soprano con eco interpretado por una segunda soprano, tomada de la cantata profana 213 y que es introducida por un solo de oboe. Como es habitual se cierra la cantata con un coral escrito en la misma tonalidad que el coro de apertura. Esta cantata es también la más corta del ciclo.
PARTE V: Para el primer domingo del año. Ehre sei dir, Gott, gesungen. (Alabado sea Dios, te cantamos.)
Esta cantata narra la llegada de los reyes magos a Jerusalén y su entrevista con Herodes. Se inicia con un festivo coro original en La mayor, aunque hay una parte que modula a su escala menor relativa (Fa sostenido menor). Al igual que el coro inicial de la primera parte, éste también es un coro da capo. Incluye un coral cuya melodía Bach la basó en otro que compuso para la Pasión según San Marcos.
Destaca también un terzetto a cargo de la soprano, el tenor y la contralto en Sí menor. PARTE VI: Para el día de la epifanía (seis de enero.) Herr, wenn die stolze Feinde schnauben. (Señor, cuando los orgullosos enemigos resoplen.)
Llegamos a la última cantata del ciclo donde se centra en la adoración de los Reyes al niño Jesús, así como la traición de Herodes. Al igual que en la primera cantata, se inicia con un coro triunfal en Re mayor, y también en el mismo ritmo (3/8). Incluye un aria para tenor en Si menor, así como otra para soprano en La mayor.
Curiosamente, la cantata se cierra también con un coral en Re mayor que Bach utilizó hasta en seis ocasiones en la Pasíon según San Mateo.
Sin embargo, ese coral que en la Pasión aparece en Re menor, aquí en cambio se muestra en una tonalidad mayor, acompañado de las trompetas a modo de triunfo. Y es que para Bach, la clave de la Natividad es que nace el Redentor, aquel años más tarde moriría por nuestros pecados. Es el resumen de todo lo acontecido en las jornadas anteriores.
Como se puede observar, existe un grado de conexión entre la seis cantantas. Bach emplea en tres de ellas la tonalidad de Re mayor, brillante, alegre y triunfal, siendo ésta la que abre y cierra el ciclo. Luego se va moviendo por tonalidades vecinas, como son la de La y la de Sol, siendo la Cuarta Parte la que se aleja un poco del ciclo, pero puede ser debido a que el material de la cantata de origen estuviera escrita en esa tonalidad. En cualquier caso, estamos ante una de las obras más importantes que Bach compuso y un gran ejemplo de la música de parodia.
A nivel personal es una obra que me fascina enormemente. Primero es la primera obra que he cantado en una coral, al menos lo que son las tres primeras cantatas. La dificultad para una persona que en mi caso no ha cantado en su vida, salvo en contadas ocasiones y como ejercicios de entonación en clases de solfeo es alta, comparable a pedirle a alguien que tiene un nivel bajo de inglés, se aprenda el Hamlet de Shakespeare en versión original. Igual no tanto, pero es mi sensación. A pesar de todo, la música de Bach te llena por completo cuando la estudias y la interpretas y fue una experiencia abrumadora cantar parte de este oratorio y dar a conocer al público esta obra que sin duda está presente en los conciertos de Navidad de muchas ciudades del mundo.
GRABACIONES
CD
Existen varias grabaciones de esta obra y tampoco las he escuchado todas, pero en mi colección poseo dos. Ésta en concreto fue la segunda y para mí es la grabación de referencia ya que Gardiner marca muy bien los tempos, no resulta muy lenta y además es bastante expresiva.A nivel vocal tantos los solistas como el coro Monteverdi están muy bien. Esta grabación fue la que usé para aprenderme el oratorio aparte de leer las partituras y usar midis de refuerzo.
Ésta por otra parte, fue la primera que compré sobre todo motivado por el precio, porque no llegaba a los diez euros. Es una edición económica y por tanto no tiene libreto. Es un poco más lenta que el anterior, pero no obstante es también una grabación bastante digna. A diferencia de la anterior, aquí las arias de la contralto son interpretadas por un contratenor Michael Chance.
DVD
Dado que me gustó tanto la grabación de Gardiner, vi que también había una versión en directo, así que lo adquirí. En realidad tengo la versión en Blu-ray, ya que era más barata. Salvo el equipo de solistas, que es totalmente distinto al de cd, la forma de ejecutarlo es similar y por tanto francamente buena. Incluye además dos documentales sobre Gardiner y el oratorio. La única pega es que no tiene subtítulos al español, pero sí en coreano. Vete tú a saber el porqué.
Guardado en una estantería, tenía este dvd que venía en la primera entrega de un coleccionable de fascículos de obras de música clásica junto a un concierto de año nuevo. Es una grabación viejuna de Harnoncourt que usa niños en vez de mujeres para ser más fiel a la época de Bach. Ese detalle es interesante, pues cambia totalmente el sonido. La única pega es que es demasiado lento y puede resultar muy aburrido escucharlo.
En fin, si alguno ha llegado hasta aquí gracias por su paciencia. Ya os dejo hasta el mes que viene, que entramos en un nuevo año y volveré de nuevo con la ópera, esta vez con un compositor nuevo y de temática infantil.
Que paséis felices fiestas y buena entrada de año.
Rossini escribió 39 óperas. Es curioso que si observamos el listado, 14 pertenecerían al género cómico, mientras que el resto serían serias o semiserias. En cualquier caso, Rossini pensaba que era en el campo de la ópera buffa donde se movía mejor, y así fue pues actualmente lo conocemos principalmente por este género.
En el caso de Ory, es una obra que en su día resultó algo escandalosa sobre todo en Italia, que eran más reservados a la hora de tratar ciertos temas y pese a la calidad de la música, no veían con muy buenos ojos el hecho que un libertino se vistiese de monja.
En cualquier caso, nos encontramos ante una obra realmente divertida, donde la gracia está principalmente en el héroe. O mejor dicho, el anti héroe porque todo le sale mal. Ory no deja de ser una especie de parodia de Don Juan, quien también se disfrazaba para alcanzar sus conquistas amorosas, pero en su caso sí tenía éxito. También cabe señalar que Ory hace lo que hace porque es un noble que se debe aburrir mucho y le encanta pasárselo bien. Sin embargo, al tener detrás a su tutor y a Isolier, que están a sus servicios, fracasa porque estos dos personajes tratan de llevarlo por el buen camino. Sería un poco su "Pepito Grillo".Pese a todo, Ory no resulta ser un personaje que la audiencia pueda llegar a odiar, como podrían ser el propio Don Giovanni o el Duque de Mantua. Al contrario, es simpático ver cómo se las arregla con planes intrincados para tratar de obtener lo que quiere y más satisfactorio es ver cómo fracasa en el intento.
Como también pasa en muchas óperas de Rossini, esta vez la prima donna no se enamora del tenor, sino de la contralto (o la mezzo) que en este caso sería Isolier. Es destacable que en el trío final, la confusión de Ory que seduce a Isolier pensando que es la Condesa, sólo resultaría creíble si Isolier tuviese una voz parecida, y teniendo en cuenta que los castrattis ya no se utilizaban (y menos en Francia) no había más opción que fuera interpretado por una mujer. Así pues, tenemos en el trío final una de las mejores piezas que ha escrito Rossini llena de doble sentido y que no es fácil de interpretar.
Los dos roles que siguen en importancia a Ory son sin duda Isolier y la Condesa. Isolier vendría a ser el antagonista, ya que el Tutor boicotea a su pupilo en el primer acto, descubriendo su disfraz, pero actúa como conciencia en el segundo, vistiéndose también de monja para controlarlo pero no lo boicotea, siendo en este caso Isolier el que lo desenmascara, ya que tanto él como Ory comparten interés amoroso (o sexual diría yo). Isolier tampoco es que sea un ejemplo de moral, puesto que la idea de vestirse de monja para entrar en el castillo de la Condesa fue suya, pero cuenta con la ventaja de ser correspondido.
En cualquier caso, en esta ópera Rossini no pretendía dar una lección de moral ni nada por el estilo sino simplemente divertir al público. En lo que se refiere al apartado musical, como ya he explicado antes gran parte de la obra está reciclada y adaptada, siendo por ejemplo el final del acto I, el cual está tomado del gran concertante a catorce voces que compuso para Il viaggio a Reims. También cabe destacar la breve obertura que en lugar de terminar con un crescendo, lo hace con las cuerdas en pizzicato lo que le da como un toque de misterio o de burlón a la obra. El resto de números como ya estamos acostumbrados no decepcionan, arias elegantes plagadas de notas agudas y una música muy pegadiza (sobre todo el coro de "monjas" del acto II", un brindis bastante canalla.)
En definitiva una ópera que no he tenido la suerte de verla en directo pero que es un espectáculo divertido si hace bien y si se cuenta con el material humano necesario para llevarla a cabo.
De esta ópera aprendemos un par de cosas:
- No te fíes de los charlatanes de feria.
- Ten cuidado a quien le haces favores, hay que gente que le das la mano y te cogen el brazo entero...
GRABACIONES
CD
Actualmente no hay muchas grabaciones en catálogo y ésta es quizás la más reciente de todas o al menos de la que yo tengo conocimiento (y es de 2010). Como Juan Diego Flórez es el tenor belcantista por excelencia, ni qué decir que su labor como Ory es soberbia, al igual que el resto del reparto. Es una grabación en vivo, pero está muy tomada y la dirección de Cobos es excelente. Sin duda es mi registro de referencia.
DVD
Por otra parte en el mercado audiovisual tenemos más donde elegir. Éste montaje lo vi en el canal Mezzo y es realmente gracioso. Camarena no tiene nada que envidiarle a Flórez en el papel y tenemos a Bartoli como la Condesa que si bien el papel es para una soprano, ella lo borda igualmente. La puesta en escena es algo moderna (estaría ambientada en los años 40 más o menos) pero es tremendamente efectiva y llena de humor. Eso sí, la versión en dvd creo que no lleva los subtítulos en castellano. De todas formas es una buena referencia.
Aunque personalmente yo prefiero este montaje del Metropolitan teniendo a Flórez como protagonista y a Didonato como Isolier. Damrau está muy bien como la Condesa y la puesta en escena es más clásica al libreto pero no por ello es menos aburrida. También tiene una buena toma de sonido y en este caso sí disponemos de los subtítulos al castellano. De modo que puestos a elegir uno sólo, yo me quedaría con éste.
¡Por fin terminé la entrada! Lo cierto es que estos días he estado bastante atareado y he dejado mis reseñas algo abandonadas. En fin, dejemos a Ory que se lo monte como quiere y yo lo dejo por hoy. Para la próxima entrega, que será entrada única, abordaré una obra religiosa que es bastante apropiada para este tiempo y a la que le estoy dedicando bastante tiempo. Con la ópera ya volveré de nuevo el mes que viene.
Después de la ópera anterior, tenía claro que quería tratar un título de Rossini, pero dentro de su amplio catálogo no sabía cuál escoger. Así que dado que la anterior era sobre un tema serio, para esta entrega me decidí al final por una obra más cómica, concretamente con la última que compuso.
Le Comte Ory (El Conde Ory) es una ópera en dos actos con música de Gioacchino Rossini y libreto de Eugéne Scribe y Charles-Gaspard Delestre- Poirson, estrenada en el Teatro de la Academia Real de Música de París (la Ópera) el 20 de agosto de 1828.
Tiene una duración de 130 minutos (dos horas y diez minutos.)
BREVES DATOS HISTÓRICOS
En 1824 con motivo de la coronación del Rey Carlos X de Francia, Rossini escribió una ópera cómica en un acto llamada Il Viaggio a Reims. Después de cuatro representaciones, la retiró y estuvo a punto de destruir esa partitura ya que era una ópera para un motivo en concreto. Sin embargo, por consejo de sus amigos, la guardó pensando que podría aprovechar esa música para futuros trabajos. Rossini, por aquel entonces ya vivía en París, pero aún no había escrito ningún título en exclusiva para el público parisino, pero sí había adaptado y ampliado dos obras serias que escribió para Nápoles: Maometo II fue transformada en Le siège de Corinthe y Mosè in Egitto en Moïse et Pharaon.
Sin embargo, el público francés tenía ganas de oír una nueva ópera cómica de Rossini, género que se le daba especialmente bien, así que para ello tomó como base un vodevil que Scribe y su asociado Delestre - Poirson escribieron en 1817 basándose en una balada medieval sobre un noble que, junto a sus hombres asaltaron un convento. La obra de teatro que Scribe creó se centraba principalmente en el segundo acto de la ópera actual, así que junto a Poirson le añadieron un acto previo. Rossini aprovechó gran parte de la música del Viaggio para esta obra, en el acto I recicló 4 números de los seis números y en el acto II, sólo dos eran reciclados de siete.
En todo caso, Rossini contó con el tenor Adolphe Nourrit para el papel principal y la obra tuvo un éxito rotundo, estando en cartel durante veinte años, hasta que se volvió irrepresentable debido a que el estilo del bel canto pasó de moda y ya no había cantantes que fueran capaces de defender el papel principal. Así, como tantas óperas de Rossini, El Conde Ory acabó cayendo en el olvido... hasta ahora.
ARGUMENTO
La acción transcurre en la región francesa de La Touraine, en la época de las Cruzadas (siglo XIII)
ACTO I
A las afueras del castillo de Formoutiers
Un joven escudero, Raimbaud (barítono) anuncia a las jóvenes del pueblo las bondades de un ermitaño que se ha instalado en una cuerva cercana dispuesto a ayudarles en asuntos del corazón... o al menos eso parece ya que en realidad ese ermitaño es el Conde Ory, un joven libertino que, aprovechando que casi todos los hombres de la aldea se han ido a las Cruzadas, ha decidido liarse con todas las mujeres que pueda.
Sale Ory (tenor ligero) y da a la bendición a todo el mundo, en especial a las mujeres. Entre ellas, esta Ragonde, (mezzosoprano) quien expresa que su ama, la Condesa Adele va a venir a visitarle.
Se van y aparece el paje del Conde, Isolier, (mezzosoprano) acompañado del Tutor del conde (bajo) buscando a Ory, pero no lo encuentran. Isolier, por su parte, está enamorado de la Condesa pero no puede visitarle ya que ella ha cerrado las puertas de su castillo a todos los hombres, hasta que los Cruzados no regresen. Se va el Tutor y poco después vuelve Ory.
Como está disfrazado, Isolier no lo reconoce y le confiesa su amor a la Condesa y su idea de colarse en el castillo disfrazado de monja. Ory le dice que lo ayudará, aunque en realidad pretende tomar la idea para sus propios fines.
Se va y poco después llega la Condesa (soprano lírica) para hablar con el ermitaño sobre sus problemas de melancolía. Ory le sugiere que se enamore y ella reconoce que se siente atraída por Isolier, a lo que Ory le responde que no es una buena idea fiarse de él. Finalmente, llega de nuevo el tutor y al ver al ermitaño lo desenmascara públicamente como el Conde Ory.
Todos se quedan sorprendidos. Por otra parte la Condesa recibe una carta que anuncia que su hermano y sus hombres volverán a dentro de dos días al pueblo, lo que precipita las intenciones del Conde de colarse en su castillo. ACTO II Un gran salón del castillo de la Condesa
Tanto la Condesa, como todas su sirvientas se han encerrado en el castillo para evitar al Conde. Estalla una tormenta y escuchan unas voces solicitando asilo. La Condesa ordena a Ragonde que vaya a ver y ésta, al ver que son un grupo de monjas las deja entrar. Una de ellas, solicita audiencia con la Condesa, la hermana Colette.
En realidad, es Ory disfrazado así como todos sus hombres. Ory se gana su confianza y Adele, por su parte les da pan y leche. Las mujeres se retiran y entran Raimbaud, y sus hombres quienes han asaltado la bodega y se están dando un buen festín.
Todos se emborrachan y brindan por el hermano de la condesa.
Se van y entra Isolier, quien ha podido colarse en el castillo. Se reune con la Condesa y le revela que las monjas a las que están acogiendo es en realidad Ory y sus hombres. También le comenta que su hermano está en camino y que llegará a medianoche. Sabiendo eso, Isolier y la condesa se unen para poner una trampa a Ory.
Ya de noche, Ory se introduce en la habitación de la Condesa para intentar seducirla, pero como está a oscuras, le hace la corte a Isolier en vez de a ella. Llega la media noche y suenan unas trompetas. Entonces la Condesa enciende las luces y Ory ve lo sucedido. Puesto que los cruzados han regresado, Ory ahora está preso y pide perdón no para él pero al menos para sus hombres.
La Condesa se apiada y deja que Isolier los conduzca hacia una salida trasera. Todas las monjas falsas se van por la puerta de atrás, mientras las mujeres dan la bienvenida a sus maridos y la Condesa a su hermano, los valientes cruzados.
Uno de los motivos por los cuales la ópera barroca se ha vuelto a poner de moda (o al menos a estar más presente en los escenarios) es debido al auge de los contratenores. En mi caso fue así. Había escuchado algún cd de Philippe Jaroussky y quedé encantado con esa voz que parece de una mujer pero que no lo es. Y si hay algo que destaca la ópera seria barroca es por la espectacularidad de sus arias.
Así en 2012, salió a la venta el primer registro de una ópera olvidada de un compositor también bastante olvidado. Ese cd es de la ópera que he comentado antes, Artaserse de Leonardo Vinci y lo compré motivado porque salía Jaroussky en él. El tema de Artaserse, me sonaba de algo y es que en relación con esa obra conocía sólo una aria que pertenecía a un pasticcio en el cual participó el hermano de Farinelli, Riccardo Brocchi, con la famosísima aria Son qual nave y que se popularizó gracias al película dedicada al famoso castrato.
Curiosamente, este aria la canta el personaje de Arbace y por temática me huelo que es la última del acto I, en la que Vinci compone su Vo solcando un mar crudele... Para que luego digan que hoy en día no hay creatividad a la hora de escribir letras. En el barroco, como veis, tampoco. El caso es que tuve la suerte de poder ver una versión en concierto de esta obra, en el cual estaba Jaroussky, y aunque lo hizo genial, al final el que me conquistó fue sin duda el contratenor que hacía de Arbace que fue el argentino Franco Fagioli (y del que soy también muy fan).
Pero dejando un lado lo personal vamos a comentar la obra en sí. Lo cierto es que Artaserse es una obra que está pensada para agradar a los nobles, ya que toda la trama se ciñe en ellos y en las intrigas palaciegas que francamente tenían poco que ver con la realidad de la calle. Al fin y al cabo, la ópera seria trataba estos temas y Artaserse no es una excepción. El libreto de Mestastasio es efectivo, porque aunque los personajes sean nobles, no significa que sean perfectos. Así, el príncipe Artaserse demuestra ser bastante incompetente, porque al descubrir la muerte de su padre, ordenar asesinar a su hermano Darío casi sin pruebas, sin un juicio. Luego cuando parece que el culpable es su mejor amigo, Arbace, se desentiende y le endorsa el problema a otro, es decir a Artabano (que es el verdadero asesino) para luego después, liberarlo. Toda esta del monarca bueno es algo que era de esperar del siglo XVIII, en un momento de la historia donde predominaba la monarquía absolutista, así que no es de extrañar ver obras en donde se ensalza la figura del rey.
Claro que este comportamiento tiene su lógica porque aunque la ópera se llama Artaserse, en realidad el verdadero protagonista (y por tanto al que le tiene que salir bien todo) es Arbace. Este personaje representa la fidelidad pura y dura, tanto la familiar como la social y política. Es por tanto el héroe y no en vano es el que más música tiene (cinco arias, un arioso y un dueto con Mandane). Aunque en este apartado, hay que reconocer que Vinci se portó bastante bien con los solistas ya que todos tienen prácticamente las mismas intervenciones, salvo el personaje de Megabise, que sólo tiene tres arias. El resto, tiene 5.
Volviendo con Arbace no deja de ser un personaje clásico interesante. Un joven que se debate entre la fidelidad a su rey y también a su padre, eligiendo su propia destrucción para no querer fallar a ambos. Por fortuna y siguiendo la norma de la ópera seria, el final de sus tribulaciones es feliz, ya que, al ser el mejor amigo del príncipe pues todo se soluciona felizmente o casi para todos. Otro detalle que llama la atención es que salvo Megabise (que muere fuera de escena, siguiendo también un poco la tradición de las tragedias griegas) todos estás relacionados por un parentesco. Son dos parejas de hermanos enamoradas entre sí; Artaserse, hermano de Mandane, está enamorado de Semira que es la hermana de Arbace que está enamorado de Mandane. Y el malo de la película, Artabano ,es también el padre de Semira y Arbace. Megabise es el secundario que, si bien en la ópera romántica tendría un mayor protagonismo porque formaría un triángulo amoroso entre Semira, Artaserse y él mismo, aquí ni pincha ni corta.
El otro personaje que también me parece interesante es Artabano, quien se debate entre su ambición y el amor paternal. Pese a ser la cabeza pensante del golpe de estado (o del regicidio, más bien) su plan en el fondo era por el bien de su hijo, ya que quería convertir en un oficial de bajo rango en rey de Persia. Nada más y nada menos. Apuntaba alto. En tanto, si bien puede demostrar una cierta cobardía, al echarle el marrón a su propio hijo, en el fondo lo quiere y hace todo lo posible para salvarlo, aunque la fidelidad férrea de su hija hacia la familia real le hace perder la partida. También era lógico, siendo su hijo novia de la princesa y mejor amigo del príncipe. Estaba muy bien posicionado y desde un principio vemos que todo va a salir bien.
Así, vemos que a nivel argumental la historia no es, en mi opinión, uno de los mejores libreros de Metastasio. A nivel musical, Vinci nos ofrece una colección de arias de todo tipo. principalmente del tipo "da capo", así como las típicas que vemos en estas óperas, las de furia, las de comparación, etc. Sin duda, estoy convencido que algunas de estas arias serían sustituidas por otra en el momento que cambiara el reparto y al cantante en concreto prefería cantar otra, una práctica muy común y que se extendió hasta bien entrado el siglo XIX,(pasaba por ejemplo mucho con Rossini).
La ópera seria no es un tipo de ópera fácil de escuchar, ya que son bastante largas y toda la acción se desarrolla a través de recitativos que pueden resultar muy monótonos. Por tanto, esta obra no está pensada para un público principiante, hay que tener el oído algo entrenado para poder apreciar bien las obras. Tampoco ayudan que las puestas en escenas de estas obras hoy en día suelen ser algo extravagantes o idas de olla que en vez de facilitar la comprensión, la dificulta aún más. Pero una vez le coges gusto, es una música que te llena y es bastante inspiradora. No en vano, creo firmemente que la música barroca es el ancestro de la música heavy. De hecho yo me aficioné al heavy metal (bueno, soy más de metal sinfónico) por escuchar a Porpora, a Vinci, a Handel y otros maestros.
De esta ópera aprendemos sólo una cosa: Es una genial idea tener amigos poderosos.
GRABACIONES
CD
En este apartado lo tengo fácil, ya que sólo hay un registro disponible y es de Jaroussky. En su día hay quien criticó esta grabación de ser algo monótona, es decir, al tratarse de todos contratenores no registraba una gran variedad de voces, lo cual no estoy del todo de acuerdo, ya que cada cantante tiene su propia personalidad. Es un disco altamente recomendable, pero como ya he comentado antes, hay que tener el oído bien entrenado.
DVD
Y lo mismo pasa en el apartado audiovisual, de momento sólo existe este registro y prácticamente el reparto es el mismo que hemos visto en el cd; el único que cambia es Artabano, que aquí es interpretado por el tenor Juan Sancho. Lo genial de este montaje es que lo han escenificado como si estuvieran en la época barroca, así todos los trajes son muy pomposos y están altamente maquillados. Me parece un gran acierto, sabiendo que en el siglo XVIII, no se preocupaban tanto por perseguir una fidelidad histórica (como sí pasaría más tarde en el Romanticismo) sino por la extravagancia. La única pega es que no tiene subtítulos al castellano.
Con esto finalizo este pequeño ensayo de música barroca. Para la próxima entrega no tengo aún muy claro de qué voy a tratar. Creo que me decantaré por un título de Rossini, pero no sé si será del Rossini serio o del cómico. Ya veré.
