Problemas familiares: I due Foscari de Verdi II

ANÁLISIS

Cuando vives en una ciudad pequeña no tienes mucho acceso a una amplia oferta cultural y si hablamos de ópera ya ni os cuento. Por eso, siempre me sorprendió que cuando en Cádiz se representa una ópera de Verdi, siempre echan las mismas. De la trilogía popular no salen (Rigoletto, Trovatore, Traviata), de cuando en cuando, Nabucco y Aida y una vez, la compañía itinerante que suele venir puso en escena un Ballo in Maschera y Macbeth.

No obstante, estamos ante un compositor que tiene en su catálogo 26 óperas y cuando ves siempre las mismas, te entra la curiosidad por las que no se representan. Y si bien es cierto que hay algunas que son bastante flojas, hay otras que son realmente interesantes, aunque no aporten nada nuevo a lo que otros compositores hayan hecho antes.

En este caso que nos ocupa I due Foscari sería de ese grupo. Aprovechando el confinamiento, he tenido mucho tiempo para poder escuchar música (y practicar yo mismo también) y he podido escuchar  todas las óperas de Verdi. Me parece una obra interesante por varios motivos.

Para empezar, la ópera rompe con el tópico de dar el protagonismo a la pareja tenor-soprano ya que aquí, el papel protagonista recae principalmente en el barítono. Esto no es nuevo, ya antes Donizetti compuso para París Marino Faliero (1835) y también trataba un tema similar. Verdi por su parte, se inspiró en el drama de Lord Byron basado a su vez en hechos reales para contar no sólo esa conspiración sino también reflejar las relaciones padre-hijo, tema que explotaría a lo largo de su carrera.

Pero ¿quienes eran los Foscari? Bien, el auténtico Franceso Foscari, fue un gobernante que tuvo Venecia en el siglo XV y estuvo en el cargo durante 34 años, siendo el dogo (o el Dux) que duró más tiempo.

Y sí, tuvo un hijo, el cual estuvo acusado de corrupción y cómplice de asesinato y lo condenaron al exilio hasta en tres ocasiones. Por tales eventos, Francesco tuvo que abdicar, su hijo moriría en el exilio y él una semana más tarde, aunque se celebró un funeral de estado. El antagonista de la ópera, Loredano, también se basa en un personaje histórico real, y al parecer era rival político de Francesco y también personales debido a la anulación de la boda de la hija de Foscari con uno de los hijos de Loredano.

Así de pronto y sin ninguna trama romántica de por medio, no parece que la tragedia de Byron fuera muy atractiva para hacer una ópera sobre ello, pero Verdi le vio un gran potencial para ponerle música. Piave supo adaptar bien la obra comprimiendo los cinco actos originales a tres y dejando lo esencial: el conflicto entre el personaje público y privado. Ya desde los inicios vemos que Verdi se interesa mucho por las relaciones paterno filiales y en este trabajo, son ellos dos precisamente los personajes que mueven toda la obra: Los dos Foscari; el padre y el hijo. El resto de personajes son un poco satélites que van rondando en torno a ellos, así Lucrezia (que en el drama de Byron se llama Marina) trata de interceder en vano para que absuelvan a su marido y Loredano, por su parte, lo que quiere es acabar con Francesco por haberle ganado en su día.

No obstante lo que plantea Verdi es hasta qué punto un personaje público puede separar su vida política de la privada. Francesco debe condenar a su propio hijo muy a su pesar, ya que la justicia debe ser imparcial para todos. Aún creyendo que sea inocente y siendo el hombre más poderoso de la república no puede hacer lo que él siente que sería perdonar y salvar a su hijo. Por su parte, a Jacopo le toca ser el desgraciado de la historia, un hombre inocente que se ve involucrado en asuntos turbios por ser hijo de quien es y que al final lo acabaría pagando obligándolo a dejar atrás lo que más quiere: su familia. Como buena obra romántica, el hombre moriría de pena, cosa que para ser un tenor es bastante original, ya que los tenores suelen tener muertes más violentas. Así mismo, el padre también fallecería más o menos de la misma forma de pena por sufrir tanta injusticia junta, la muerte de su hijo siendo inocente y su abdicación forzosa. Si bien es cierto que en la realidad no pasó en el mismo día, a efectos teatrales es mucho más dramático que pase así.

El resto de personajes apenas tienen relevancia. Lucrezia está porque toda ópera necesita un personaje femenino y también sirve como víctimas colaterales del conflicto principal. Cuando una persona tiene problemas con la justicia, no sólo los sufre el acusado sino también toda la familia. En cambio, Loredano, para ser un antagonista es bastante flojo, pues al comprimir el libreto no queda muy claro el porqué de tanto odio y tampoco tiene ningún aria en que lo explique tan sólo interviene en las escenas de conjunto.

A nivel musical estamos ante una obra puramente belcantista, pero ya en la última etapa. En este aspecto el que más gana es sin duda el tenor, pues dispondría de tres arias, (la del primer acto con la correspondiente cabaletta) y todas ellas abren los actos. También tiene su escena la soprano pero en esta ocasión es el barítono quien se lleva la mejor parte, destacando sobre todo el terceto del segundo acto y sobre todo la escena final. Nos encontramos ante una ópera de números cerrados y relativamente breve, lo cual facilita la escucha. El coro por su parte, también tiene una especial relevancia en la trama pues representaría a ese implacable Consejo (aunque yo en la entrada anterior, lo traté como Concilio) que hace atacar la ley de forma rigurosa. También como el pueblo, para dar algo de colorido local, como se puede oír en el principio del tercer acto entonando una barcarola. También vemos un pequeño intento de “leitmotiv” con Jacopo pues cuando sale el personaje la orquesta lo presente con un solo de clarinete.

Actualmente I due Foscari no es una ópera tan oscura como antes y ya no es tan extraño verla en los teatros. Poco a poco va tomando su hueco en los escenarios y si bien es cierto que no es tan redonda como las obras de madurez, no deja de ser una obra interesante.

GRABACIONES

CD

La única grabación que he escuchado es ésta de Gardelli, con Carreras en el papel de Jacopo y Cappucilli en el papel del Dogo. En lineas generales es una grabación muy equilibrada.

DVD

Curiosamente, en Dvd hay más donde elegir. Por mi parte, me quedo con esta representación del San Carlo de Nápoles con el genial barítono Leo Nucci (especializado en Verdi además) en el papel principal. La puesta en escena es la tradicional y también en general está bastante bien lograda.

Espero que os haya despertado un pelín la curiosidad por esta obra. La próxima entrega cambiaré de repertorio y me iré al alemán con una obra que plantea el siguiente debate: ¿qué es más importante en un ópera, la letra o la música?

Nos vemos.

Problemas familiares: I Due Foscari de Verdi I

Seguimos con una nueva entrega (y ya en plena fase de desconfinamiento) con un Verdi menos conocido. Bueno, en realidad ya todas las óperas de Verdi conocidas ya las he reseñado, así que ya todas las que comente serán las menos conocidas. Ésta en concreto la he vuelto a escuchar hace poco y me ha parecido interesante.

I due Foscari (Los dos Foscari) es una ópera en tres actos con música de Guiseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave estrenada en el teatro Argentina de Roma el 3 de noviembre de 1844.

Tiene una duración aproximada de 105 minutos (una hora y 45 minutos).

BREVES DATOS HISTÓRICOS

La idea de adaptar el drama de Lord Byron "The two Foscari" para una ópera le vino a Verdi después de su gran éxito con su cuarta ópera en Milán, I lombardi en 1843. Tenía un encargo entonces para la Fenice en Venecia y Verdi propuso ese tema, pero dado que los descendientes de los Foscari aún vivían y la trama de la ópera no los dejaban en muy buen lugar, el teatro rechazó el tema. Así que Verdi se guardó el libreto para otra ocasión y para la Fenice compuso otra ópera (que sería su quinta, Ernani de la cual pues igual ya la comentaré en toro momento.)

Tampoco tuvo que esperar demasiado, ya que en 1844 poco después de estrenar Ernani en la Fenice, le vino un encargo para el Teatro Argentina de Roma. Verdi en un principio propuso una obra sobre Lorenzino de Médici pero ese tema no cuajó y como segunda opción volvió a presentar el libreto basado en el drama de Byron. Los romanos sí le dieron el visto bueno y así, Verdi presentó en noviembre de ese mismo año su versión del tema, cuyo libreto firmó Francesco María Piave. La ópera gustó, y durante un tiempo estuvo en repertorio aunque como la gran mayoría de las óperas del llamado período de galeras cayó en el olvido. Actualmente se suele ver en los escenarios, aunque no es muy frecuente.

ARGUMENTO

La acción se desarrolla en Venecia, en 1457.

ACTO I

Escena I: Un salón del Palacio Ducal

El Concilio de los Diez está a punto de reunirse para discutir sobre un asunto en el cual un miembro del familia del Dogo está involucrado. El rival del Dogo, Loredano (bajo) entra con su amigo Barbarigo (tenor), ambos miembros del Concilio y  comentan que el Dogo ha iniciado la sesión muy tranquilo. Los dos senadores expresan su deseo de justicia y entran en la sala. Entre tanto, unos guardas traen a Jacopo, hijo del Dogo, (tenor lírico-spinto) el cual ha sido torturado en las cárceles.

A pesar de todo, Jacopo se alegra de volver a Venecia, pues ha estado mucho tiempo exiliado y expresa su odio hacia la injusticia y su deseo de demostrar su inocencia.

Escena II: Un salón en el Palacio de los Foscari

Lucrezia, la esposa de Jacopo, (soprano lírico-spinto) exige hablar con su suegro para interceder por su marido, pero sus sirvientes le piden que se calme.

Reza para que todo salga bien, pero no sirve de mucho, porque pronto llega su confidente, Pisana (mezzo-soprano) y le anuncia que su marido ha sido declarado culpable y condenado de nuevo al exilio. Lucrezia, se va furiosa.

Escena III. Un salón del Palacio Ducal

Debido a una carta que han interceptado al Duque de Sforza de Milán, Jacopo ha sido declarado culpable de asesinato pese a que él no ha reconocido los hechos y condenado nuevamente al exilio en Creta. Los senadores alaban la imparcialidad de la justicia veneciana.

Escena IV: Los apartamentos del Dogo

Francesco Foscari, Dogo de Venecia (barítono) se lamenta de ser la cabeza del gobierno ya que no puede proteger a su hijo de las calumnias de sus enemigos. Entra Lucrezia y le ruega a su suegro que haga algo, pero el Dogo le dice que la Ley se lo impide. Se echa a llorar y Lucrezia al ver su lágrimas piensa que aún hay esperanza.

ACTO II

Escena I: La prisión de Jacopo

Jacopo se lamenta de su suerte y tiene la visión de un fantasma que lo atormenta. Entra Lucrezia, se abrazan y ella le dice que pronto dictarán la sentencia. El sonido de una barcarola les anima. Se reúne con ellos el Dogo, y los tres se alegran de estar de nuevo juntos. Sin embargo, esa alegría dura poco, pues entra Loredano para anunciar a Jacopo que tiene que presentarse ante el Concilio para escuchar la sentencia e inmediatamente después partirá solo a Creta. Tanto Lucrezia como Jacopo se muestran furiosos, pero el Dogo los tranquiliza. Unos guardas llegan para llevarse a Jacopo.

Escena II: Sala del Concilio de los Diez

Jacopo oye su sentencia de exilio. Entra Lucrezia, acompañada de sus hijos y los tres se ponen de rodilla ante el Dogo para que cambien de parecer.

Barbarigo se apiada de ellos, pero los otros son implacables y exigen que Jacopo parta inmediatamente y solo. Jacopo siente que su muerte está cerca.

ACTO III

Escena I: La plaza de San Marcos

El pueblo celebra el carnaval. Poco después llega Jacopo, escoltado por los guardas. Después de despedirse de su mujer y de sus hijos, lo embarcan y se va al exilio.

Escena II: Los apartamentos privados del Dogo

Francesco se lamenta por lo sucedido. Entra Barbarigo con una carta de un tal Ezzio quien confiesa ser el único culpable del asesinato por el cual Jacopo ha sido condenado.

Francesco ve aquí una esperanza, pero es en vano, ya que entra Lucrezia y anuncia que su marido ha muerto en el trayecto. Por si fuera poco, entra Loredano y le dice al Dogo que dado los acontecimientos y su avanzada edad, lo invitan a dimitir de su cargo. El dogo se revela, pues en dos ocasiones había pedido él abdicar y las dos se la habían denegado. Es más le hicieron jurar que moriría siendo Dogo y como buen Foscari cumplirá su promesa. Pero el Concilio insiste y al final, el anciano cede.

Una vez que ha renunciado a su cargo, suenan las campanas de San Marcos anunciado al nuevo Dogo, Malipiero. Francesco muere y entre tanto Loredano escribe en un papel "Los Foscari me han pagado" y lo tira a su cadáver.

Fiel a su fe: Poliuto/Les Martyrs, de Donizetti II

ANÁLISIS

Si hay algo a lo que a Donizetti no se le puede criticar es su gusto por historias con gancho y muy variadas. Lo mismo te escribía sobre la Inglaterra Medieval, de la España de la época de Al-andalus o en este caso de la época romana.

Poliuto se basa en la tragedia del francés Pierre Corneille, quien a su vez se basa en la vida de un santo mártir que existió, San Poliecto de Melitiene, general romano armenio que se convirtió al cristianismo. 

También tenia una esposa que se llamaba Paulina y tenía hijos (aunque en la ópera ese detalle lo omiten). Sin embargo, el mártir real no vio el fin de sus días en el estómago de un león hambriento sino que le cortaron la cabeza. Cosas que pasan, eran otros tiempos. Los romanos, que eran muy brutos. También el personaje de Nearco, está basado en un mártir real, San Nearco, quien corrió también la misma suerte. Es más, Nearco y Poliecto se consideraban “hermanos de afecto”, en otras palabras, que eran gays.

No obstante, la ópera no se basa en la vida real, sino en lo que escribió Corneille, una tragedia en cinco actos donde exalta la figura de Polyeucte, añadiendo además un triángulo amoroso y un choque de dos culturas distintas, la dominante que sería la romana y los paleo-cristianos, como nueva religión que poco a poco irían asentándose en todo el territorio. Cammarano hizo una gran labor de síntesis, reduciendo los cinco actos a tres, añadiendo además el personaje de Callistene, el sacerdote de Júpiter para realzar más el conflicto de las dos religiones, y cambiando el final, pues en la tragedia original, Félix después de la muerte de su yerno, se convierte al cristianismo, así como su hija y cesan los ataques contra los cristianos, mientras que Cammarano hace que Paolina se una con su esposo en el martirio, que además es mucho más espectacular y sanguinario que una simple decapitación.

Luego cuando ya vimos en el apartado de los datos históricos que Donizetti amplió la obra para París y convertirla en una grand-opéra, Scribe fue el encargado de ampliar el libreto. Las diferencias entre una y otra son notables:

Poliuto	Les Martyrs
Acto I: Escena 1 Escena 2	Acto I y Escena I del Acto II Acto II: Escena II
Acto II: Escena 1 Escena 2	Acto III Escena 1 Escena 2
Acto III: Escena 1 No existe como tal	No existe como tal Acto IV: Escena I
Escena 2	Acto IV Escenas 2 y 3

Como vemos una de las grandes diferencias está en la división del Acto I original en los dos primeros franceses. Para la versión francesa, Donizetti reescribió todos los recitativos, creó un final nuevo para el acto I, (al dividirlo en dos, se necesitaba un buen concertante para terminar el cuadro de las catacumbas, creó un ballet y añadió o suprimió arias de acuerdo al nuevo carácter que sufrieron los personajes. Aunque la historia es básicamente la misma, algunos personajes también presentan diferencias, salvo Nearco y Severo que son prácticamente iguales. Para facilitarme las cosas, voy a emplear los nombres de la versión italiana.

Poliuto: En la versión italiana, es un hombre celoso de Severo y cree que su mujer le es infiel con él, por tanto el arrebato de derribar los ídolos en el acto II es más el resultado de una crisis pasional que religiosa. En cambio, en la francesa, está más centrado a la devoción religiosa y en ningún momento se cuestiona la fidelidad de su mujer. Es por ello que en esa misma escena, mientras que en la versión italiana canta un reproche a su esposa, en la francesa recita un credo (y de ahí que Berlioz, que aparte de compositor era crítico musical, dijera que “Les Martyrs es un credo en cuatro actos”

Paolina: El gran cambio significativo que hay en las dos versiones es que en la italiana, desde un principio siente admiración por los cristianos y por tanto que al final acabe por convertirse no resulta tan sorprendente, mientras que en la francesa pasa del rechazo del primer acto a la conversión final.

Felice: Apenas tiene participación en la versión italiana, mientras que en la francesa su papel es más amplio, teniendo además un rol clave en la trama, pues la orden de la persecución a los cristianos viene de él. Se podría decir que en la versión francesa es el antagonista por así decirlo, y a la vez el que más sufre las consecuencias de sus actos, pues acabaría perdiendo a su hija por ello. También cambia la tesitura pues pasa de ser un tenor en la versión italiana a un bajo en la francesa.

Callistene: En cambio, este personaje es más interesante en la versión italiana que en la francesa. Al tener una escena inédita en el acto III, vemos que en realidad es él el que mueve los hilos y por tanto sería el verdadero antagonista, haciendo alusión al control de las masas. Además parece que tiene un interés particular en perjudicar a Paolina, probablemente debido a un engaño amoroso, cosa que lo hace entrever la misa Paulina en el dúo con su esposo en el acto final. En la versión francesa, por su parte, no tiene peso, simplemente es el sumo sacerdote fanático que acata la ley tal cual y no parece tener ninguna motivación personal.

Pese a que estos personajes presentan diferencias, al final el mensaje final de la obra resulta ser el mismo, un canto a la libertad de credo y la libertad de pensamiento frente a un totalitarismo tanto político como religioso, mensaje que va muy del gusto romántico de la época en la que vivió Donizetti y por tanto se movía el bel-canto. Vemos en esta obra un choque de dos fanatismos religiosos: por un lado de los que matan a aquellos que no piensan como la masa y por otro de los que se rebelan contra el orden y dispuestos a morir por sus ideales. Este confrontamiento lo podemos ver claramente en las escenas de masas, donde el coro que representa al pueblo pide la muerte para los cristianos, mientras que los cristianos por su parte cantan alabanzas a Dios. Este final, es más espectacular en la versión francesa, pues la escena del martirio se hace pública mientras que en la italiana termina con la escena de la prisión, y con el trío protagonista, el matrimonio que se une en la muerte, y Severo que se ve incapaz de salvar al amor de su vida.

A nivel musical nos encontramos con una obra del periodo de madurez del compositor de Bérgamo. Seguimos con las fórmulas ya vistas en el estilo, un coro de introducción, la fórmula recitativo-aria-cabaletta, y también hay que señalar que una parte de la música (algún concertato que no he llegado a identificar cuál), correspondería a María de Rudenz, ópera que había compuesto para la Fenice de Venecia el 1838 y fue tal el fracaso que Donizetti ya no compondría más para ese teatro. Eso sí, el personal central sería el tenor, pero no por ello tenemos escena final de la prima donna como en el trabajo anterior, Roberto Devereux, sino que en este caso se cierra la obra con un gran ensemble.

Destacaría la obertura, que fue compuesta para la versión francesa ya que la italiana sólo disponía de una breve introducción, así como el aria de Poliuto del acto II, así como el concertato del final de ese mismo acto (o tercero, si nos vamos a Les Martyrs), en la versión francesa la entrada triunfal de Sévére (y todo el cuadro en general) y sobre todo, el impresionante final de la ópera en Mi Mayor cuando la pareja protagonista se dirige valientemente hacia su fatal destino.

A pesar de que hoy en día es una ópera que no se representa mucho, Poliuto es una obra que resulta muy actual hoy en día, pues no sólo existen todavía esos fanatismos religiosos por los que muere gente, sino que además en otros niveles (hinchas de fútbol, ciertos comportamientos en redes sociales en respuesta a cualquier tema) están también presentes y al final no conducen sino a crear crispación y malestar social. Si bien es cierto que está bien defender tus ideales, pero en absoluto imponerlos por la fuerza.

De esta obra aprendemos lo siguiente:

• Hay que aprender a ser empático. No sabemos cuándo te puede afectar una situación que están sufriendo los demás.
• La gente debe ser libre para creer en lo que quiera.

GRABACIONES

CD

No hay mucho dónde elegir, y a día de hoy no he encontrado grabaciones de estudio, así que me quedo con la más reciente que ésta con Carreras. Eso si, incluye la obertura de Les Martyrs, lo cual creo que es un plus. Además cuenta con el atractivo de Riccialieri como Paolina y Juan Pons como Severo. Para mí ésta sería la grabación de referencia.

De la versión francesa sólo hay ésta disponible y sin duda alguna la recomiendo. Lástima que la versión con el libreto ya está descatalogada, pero aparte de eso, a nivel musical todos están sobresalientes. Elder consigue mantener la tensión y además incluye toda la partitura completa, incluido el ballet.

DVD

De la versión francesa no hay todavía ningún montaje editado en DVD...Tampoco recuerdo que la hayan representado en los últimos 40 años salvo una versión en concierto con el motivo del lanzamiento de la grabación de Opera Rara. Habrá que esperar a que algún teatro se anime. De la italiana os propongo dos:

Este montaje de Glydenbourne no es que sea santo de mi devoción pero a nivel musical está muy logrado, destacando cómo no la pareja protagonista tanto Michael Fabiano como Ana María Martínez sobresalen en sus papeles. La puesta en escena es la típica que hacen este tipo de óperas con un decorado austero en un contexto que simula una sociedad fascista. Yo lo tomaría como referente.

Por otra parte, ésta es un tanto rara. Para empezar te mezclan el uniforme de los romanos con los fascistas, pero a pesar de eso se la trama se entiende bien. Sin embargo, Gregory Kunde en el papel titular no me termina de convencer, le noto la voz cansada como sin fuerza.

En fin, dejamos el tema de los mártires cristianos y me despido por hoy. Voy a recopilar material para la siguiente obra... que no tengo muy claro cuál va a ser, a ver qué se me ocurre.

Total no me voy a mover de casa... Nos vemos.

Fiel a su fe: Poliuto/Les Martyrs, de Donizetti I

Como estamos en Semana Santa, aunque no haya pasos por la calle y que con seguridad estas dos entradas verán la luz cuando haya pasado, voy a tratar a una obra de Donizetti que le tenía ganas. O mejor dos dicho, dos, pero que en realidad son la misma.

Poliuto es una ópera en tres actos con música de Gaetano Donizetti y libreto de Salvatore Cammarano, estrenada en el Teatro San Carlo de Nápoles el 30 de noviembre de 1848.

Les Martys (Los Mártires), es una revisión de esa misma ópera, pero en cuatro actos, con libreto de Eugéne Scribe, estrenada en la Ópera de París el 10 de abril de 1840

Poliuto dura aproximadamente 110 minutos (una hora y cuarenta minutos).

Les Martys, dura unos 190 minutos (tres horas y diez minutos)

BREVES DATOS HISTÓRICOS

A raíz de la buena acogida que tuvo en París con Marino Faliero (1835), Donizetti se dio a conocer, pero fue con Lucía di Lammermoor con la que digamos, pegó el pelotazo en París y no sólo le ofrecieron realizar una versión en francés de esa ópera (que se estrenó en agosto de 1839), sino que además le realizaron dos encargos: uno para la Ópera y otro para la Opèra-Comique. Así que Donizetti estaba bastante atareado porque además tenía que cumplir el compromiso que tenía con el San Carlo de Nápoles. Sabemos también que en 1837, Donizetti había tenido un gran éxito con Roberto Devereux, así que para su próxima obra tenía pensado poner música a un libreto de Salvatore Cammarano basado en la tragedia francesa de Pierre Corneille, Polyeucte (1643). El protagonista iba a ser además, el tenor Adolphe Nourrit, quien estaba un poco de capa caída en Francia porque le había salido un rival, Gilbert Duprez. Nourrit, se había ido a Italia para mejorar su técnica y estaba a la espera de una nueva oportunidad de relanzar su carrera. 

Por desgracia, cuando ya la ópera estaba terminada, la censura prohibió en el último momento su representación, alegando que la muerte de un mártir no era un tema apropiado para un teatro. Así que Donizetti, cabreado, rescindió el contrato con Nápoles, se marchó a París y le comentó a Nourrit que revisaría su ópera, Poliuto, para ser estrenada allí al gusto parisino.

Por desgracia, a Nourrit esa cancelación no le sentó nada bien, entre eso y que el hombre no estaba muy bien de la cabeza, acabó por suicidarse. Pero creo que esto ya lo he contado más veces. Volvamos a París, donde Donizetti alargó su Poliuto, pasando la obra de tres a cuatro actos y añadiendo un ballet y pasándose a llamar Les Martyrs. La ópera tuvo un éxito moderado, y gustó mucho el acto III, pero tras 18 representaciones,la ópera cayó pronto en el olvido. En cambio, la versión italiana original, se estrenó unos seis meses después de morir el compositor (abril de 1848) y allí tuvo bastante éxito, estando presente bastante tiempo a lo largo del siglo XIX. Hoy en día, es la versión italiana la que se ve en los escenarios, siendo la francesa prácticamente desconocida.

ARGUMENTO

La acción se desarrolla en Melitene, Armenia en el siglo III después de cristo.

Versión Italiana:

ACTO I: El bautismo

Escena I: Las catacumbas

Poliuto, noble armenio (tenor lírico) se ha reunido con el líder de los cristianos, Nearco (tenor) para bautizarse. Armenia ha sido conquistada por los romanos y están persiguiendo bajo pena de muerte a todos los cristianos. Poliuto, le comenta a su amigo que está preocupado por su mujer Paolina, ya que ella se casó con él por orden de su padre, Felice, el gobernador de Melitene, pero ella estaba enamorada de un general llamado Severo, pero al parecer éste ha muerto en combate. Ambos se van para la ceremonia y poco después aparece Paolina (soprano lírico spinto) quien estaba siguiendo a su marido sospechando que éste podría haber abrazado la nueva fe. 

 

Oye a los cristianos rezar y se conmueve por la belleza del rito. Poco después salen Poliuto y Nearco. Poliuto al ver a su mujer le confiesa que efectivamente se ha vuelto cristiano. Nearco, por su parte, comenta que Severo llegará pronto y continuará con la persecución de los cristianos. Paolina este momento, se siente dividida entre la alegría que siente al saber que su verdadero amor está vivo pero a que a su vez le es imposible seguir amando por estar casada con Poliuto.

Escena II: La plaza de Melitene

Severo (barítono) llega con el aplauso y las alabanzas de la multitud.

 
Expresa su deseo de volver a ver a Paolina, pero ese deseo se transforma en rabia al enterarse que se ha casado con otro.

ACTO II: El neófito

Escena I: El patio de la casa del gobernador

Callistene, el sumo sacerdote de Júpiter, (bajo) lleva a Severo a reunirse con Paolina, comentándole además que ella se casó presionada por su padre. Se va y pronto aparece Paolina. Severo le reprocha su falta de fidelidad y ella se defiende, pero no le confiesa que todavía siente algo por él. Le pide que se valla.

Al terminar el encuentro, llega Poliuto quien ha podido ver cómo la pareja se iban juntos. Esto, unido a que Callistene le había previsto que se Severo se iba a reunir con Paolina, le hace llegar a la conclusión de que su esposa le es infiel.

Pero no le da tiempo a entristecerse, pues pronto llega un cristiano (tenor) para anunciarle que su amigo Nearco ha sido capturado y está en el templo de Júpiter. Poliuto se va inmediatamente para tratar de liberarlo.

Escena II: El templo de Júpiter

Todos los paganos están adorando a su dios, mientras Nearco es torturado y Severo le ordena que diga el nombre del neófito, pero Nearco se niega. Entra Poliuto y confiesa públicamente que es él. Paolina, pide clemencia por él a su padre, (tenor) y a Severo. 

Poliuto al ver que ella le ruega a Severo, la rechaza públicamente y destruye el altar de Júpiter, provocando la ira de todos los paganos. Nearco y Poliuto son arrestados y llevados a prisión.

ACTO III: El martirio

Escena I: El bosque sagrado

Callistene se reúne con el resto de los sacerdotes y comentan que otros cristianos, siguiendo el ejemplo de Poliuto han decidido entregarse para morir.

 

Anima al resto de los sacerdotes a seguir avivando el odio hacia los cristianos en la población para así vengar a sus dioses.

Escena II: La prisión del circo

Paolina se reúne en la celda de su esposo y le confiesa que efectivamente ella estaba enamorada de Severo cuando se casaron pero desde que es su esposa, siempre le ha sido fiel. Le dice además que si abjura de su fe podrá salvarse, pero Poliuto prefiere morir antes que dar la espalda a Dios. Impresionada por su convicción, le dice entonces que la bautice para así morir con él. 

 

Al principio Poliuto duda, pero luego accede. Entra Severo y Paolina se declara cristiana y exige morir con su esposo. Pese a los ruegos de Severo, Paolina es firme en su decisión y junto a Poliuto se dirigen juntos hacia la arena del circo donde serán parte del espectáculo: ser devorados por los leones.

Versión Francesa:

ACTO I

Las catacumbas

Polyeucte (tenor lírico), se ha reunido con Nearque (tenor) para bautizarse en respuesta a una promesa que hizo a Dios si salvaba a su mujer Pauline (suponemos de una enfermedad). Nearque acepta aunque es un arriesgado sabiendo que es el yerno del gobernador de Armenia. Oyen que se acercan las tropas de Félix y se van a otra cámara a seguir sus ritos.

Entre tanto, llega Pauline (soprano lírica) quien está acompañada de damas y con una escolta para rezar a la tumba de su madre. Piden que la dejen sola un momento y en ese momento aprovecha para pedir a su madre fuerzas para olvidar a su gran amor, Sévére, supuestamente muerto en combate. Cuando termina, oye los cánticos de los cristianos y se horroriza. Cuando sale, se encuentra con su marido y Nearque.

 

Pauline le recrimina a Polyeucte, el que haya abandonado su antigua fe por la nueva. Discuten y son interrumpidos por un cristiano (bajo) quien les anuncia que pronto llegará un nuevo procónsul dispuesto a perseguir a los cristianos duramente. Nearque y Polyeucte se muestran preparados para sufrir cualquier tipo de martirio, mientras que Pauline se lleva a su marido y le hace prometer que oculte su nueva fe.

ACTO II

Escena I: El despacho de Félix

Félix (bajo) está reunido con sus magistrados y llama a Pauline. Delante de ella, se enorgullece de proclamar su nueva ley que consiste en condenar a pena de muerte a los cristianos, tanto a los que bautizan como a los que son bautizados. Pauline se estremece al oír la noticia, ya que eso significa que su marido estaría condenado si se descubriese que él es cristiano. Entre tanto llega Callisthéne (bajo), el sumo sacerdote y comenta que ya está a llegar el nuevo procónsul. Al preguntarle Félix por su identidad, Callistene le dice que es Sévére, a quien Roma creía muerto, pero en realidad lo habían secuestrado y han pagado por él un intercambio generoso de prisioneros.

 

Pauline, al enterarse se debate entre la alegría de saber que Sévére está vivo y a la vez la tristeza de no poder estar ya con él.

Escena II: La gran plaza de Melitene

Sévére (barítono) es recibido ante las alabanzas de una gran multitud y en su honor se organiza un desfile de gladiadores y danzas variadas (la excusa para meter el ballet).

 

Sévére se muestra en un principio ilusionado por volver a ver a Pauline, pero al enterarse que ella ya está casada se lamenta. Por si fuera poco, Callistene anuncia que hace poco se ha producido un nuevo bautizo y pide la colaboración de Sévére. Tanto los cristianos como los paganos ruegan cada uno a sus dioses para que les ayude.

ACTO III

Escena I: Los apartamentos de Pauline

Pauline está rezando cuando de pronto entra Sévére. Le pide explicaciones sobre lo sucedido y ella le hace entrever que, aunque aún siento algo por él, ya no puede corresponder a su amor porque es una mujer casada. Le pide que la deje y la olvide y Sévére, resignado se va. Poco después llega Polyeucte y le dice a su mujer que van a hacer un sacrificio en honor a Sévére. Pauline le pide que la acompañe a la ceremonia, pero él rechaza hacerlo porque ya no cree en ello. Pauline se pone a llorar y su marido la consuela diciéndole que es capaz de soportar la muerte pero no sus lágrimas. Entra su suegro y les comenta que han capturado a Nearque quien ha admitido ser cristiano y el autor del nuevo bautizo pero se niega a revelar a el nombre del bautizado, así que lo van a sacrificar a él también. 

 

Polyeucte acepta entonces ir al templo para tratar de salvar a su amigo o al menos compartir su suerte.

Escena II: El templo de Júpiter

Los paganos están rezando a su dios cuando Callistene trae a Nearque para torturarle y hacerle revelar el nombre del neófito. Éste se niega. Llega Polyeucte y delante de todos confiesa ser él ante el asombre de su suegro y todos los presentes. Pauline pide clemencia a Sévére y su marido, enfadado destruye el altar alabando a Dios, lo que provoca la ira de todos.

 

Es arrestado junto a Nearco y públicamente ambos son sentenciados a muerte.

ACTO IV

Escena I: Los apartamentos de Félix

Pauline le pide a su padre que haga algo para poder salvar a su marido, pero él, inflexible, le dice que la ley es igual para todo el mundo y por tanto Polyeucte ha de morir.

 

Entra Sévére, quien en un principio confirma sus palabras, pero cuando Pauline le pide llorando y de rodillas que la ayude se pone de su lado y amenaza con revelarse si no salva a Polyeucte. Finalmente Félix accede a perdonar a su yerno siempre y cuando Pauline logre que éste abjure de su fe.

Escena II: La prisión del circo

Polyeucte está rezando cuando llega Pauline quien trata de convencerlo para que renuncie a su fe y así salvarse, pero la ciega devoción de su marido hace que ella quiera también convertirse en una mártir y decide unirse a él.

Escena III: La arena del circo

La multitud clama la muerte de los cristianos. Félix y Sévére presiden el acto, así como Callisthènes y sus sacerdotes. Al hacer entrar a los mártires, Félix y Sévére se sorprenden al ver a Pauline vestida de blanco al lado de su marido.


Tratan de razonar con ella, pero Pauline está decidida a morir con su marido. Se oyen los rígidos y los cristianos se arrodillan para rezar, Pauline se abraza a a Polyeucte y éste es él único que se queda en pie esperando el ataque de los leones.

Reflexión sobre la Pasíon: Las Siete Palabras, de Joseph Haydn

Vamos a hacer una pausa con la ópera y vamos a explorar otras obras musicales que son también interesantes. Además ya que este año se ha cancelado la Semana Santa, voy a sacar ese capillita que llevo dentro (y eso que no pertenezco a un ninguna Hermandad ni se me pasaría por la cabeza ingresar en una) y paso a comentar una obra a la que le tengo un cariño especial.

Las siete últimas palabras de Nuestro Señor en la cruz (Die sieben letzte Worte unseres Erlösers auf dem Kreuz) es una obra musical de Joseph Haydn, originalmente para orquesta, estrenada en el Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz el 6 de abril (Viernes Santo) de 1787. Versión coral u oratorio, libreto de Friebert y de Von Swieten y estrenada en Viena el 1 de abril de 1798.

Tiene una duración de 65 minutos.

BREVES DATOS HISTÓRICOS

En 1779 Haydn, quien trabajaba casi en exclusividad para el príncipe Esterházy, ya tenía la libertad de componer libremente, por tanto se dedicó a trabajar por encargo. Entre tanto, en Cádiz se estaba llevando a cabo las obras de una capilla – oratorio donde se reunía la Hermandad de la Santa Cueva, cuyo responsable espiritual era el canónigo José Saens de Santa María, Marqués de Valde-Iñigo. Cuando las obras de la nueva capilla terminaron en 1785, el Marqués decidió que su Hermandad necesitaba una obra musical de envergadura que acompañara a los ritos. 

Vista de la capilla superior del Oratorio de la Santa Cueva en Cádiz. (La foto no es de mi propiedad, está tomada de Google Images.)

Así que por medio de un músico, Francisco Micón, le hizo llegar a Haydn el encargo así como todas las condiciones. Haydn tenía que componer un oratorio instrumental para el sermón de las Siete Palabras que se celebraba en Cádiz los viernes santo: El lugar de culto se cubría con telas negras y sólo estaba iluminado con una lámpara. A las doce del mediodía, se cerraban las puertas y entonces el Obispo se subía al púlpito, recitaba una de las Siete Palabras, la comentaba y luego se bajaba del él y se inclinaba ante el altar. Ese ritual, lo repetía 7 veces, por tanto Haydn que escribir 7 movimientos que fuesen sobrios y lentos de unos diez minutos, pero que no resultaran pesados al oyente. La orquesta intervenía cada vez que el Obispo dejaba de hablar.

Haydn aceptó el trabajo pensando que era para la Catedral y presentó sus siete movimientos, precedidos por una Introducción y concluyéndolo con una pequeña pieza, llamada El terremoto. La obra al parecer, se estrenó antes en Viena ,en 1786 en un concierto privado y enviada a su destinatario al siguiente. Según parece, a Haydn le pagaron con un pastel de chocolate (donde dentro estaba el dinero) Qué cachondo era el Marqués...

Al año siguiente, el editor de Haydn, le propuso que hiciera de la obra una reducción para cuarteto de cuerdas, cosa que el músico aceptó. También apareció una reducción a piano hecha por otro compositor, la cual cuando Haydn la vio, le dió el visto bueno y autorizó su publicación.

Pero éste no es el final. Diez años más tarde, de camino a Londres, Haydn escuchó en Passau, una versión coral que el canónigo de la Catedral, Joseph Friebert había adaptado a su partitura. A Haydn le gustó el resultado y decidió hacer su propia versión tomado el “libreto” que Friebert había creado pero cambiándolo un poco con la ayuda de su amigo el Barón Von Swieten. Este sería el inicio de una nueva relación entre ambos, ya que juntos crearían dos oratorios más: La Creación y Las Estaciones. Esta versión coral se estrenó primero en Viena en un evento privado en 1796 y al público dos años más tarde en 1798.

Así pues contamos de 4 versiones de una misma obra. Actualmente, la más conocida es la del cuarteo de cuerdas, seguida de la versión coral.

ESTRUCTURA Y ANÁLISIS

Haydn compuso una introducción, siete movimientos a los que llamó Sonatas (uno por cada palabra, y tituladas en latín) y concluyó la obra con un movimiento rápido, El terremoto. Para la versión coral, incluyó también un interludio entre la Sonata IV y V. La obra quedaría así:

1. Introducción: Compuesta en Re menor, una escala especialmente empleada en las misas de difuntos, con lo cual está asociada a la muerte. 
    
   El tempo que marca es: Maestoso y Adagio, y nos predispone para la tragedia que vamos a escuchar.
   
   
2. Sonata I. Pater, dimitte illis, non cum sciunt quid faciunt (Padre, perdónalos porque no saben lo que hacen): La primera palabra la expresa Haydn en Si bemol Mayor y su tempo es Largo. En la versión coral, antes de comenzar la música, el coro declama la palabra para luego dar paso a los versos que hacen la reflexión sobre la misma. La primera, ruega a Dios que escuche a su Hijo y que perdone a todos los hombres por ser pecadores. Para crear los efectos de lamento, Haydn acude a pasajes cromáticos (pasando de un la natural a un la bemol por ejemplo) y también juega con las dinámicas (empezando con un forte y terminado en pianísimo.
   
   
3. Sonata II. Hodie mecum eris in Paradiso (Hoy estarás conmigo en el Paraíso): Escrita en do menor, expresa el momento en el que Jesús consuela al ladrón bueno. 
   
   
    
   Para este momento, utiliza una tonalidad asociada al heroísmo, pues Jesús nos hace la promesa del Paraíso, es decir de un lugar mejor cuando muramos. Esa promesa o ese ruego, se hace más evidente cuando pasa de tonalidad, es decir, empieza en do menor pero termina en su homónima do mayor. El tempo es grave y cantabile.
   
   
4. Sonata III. Mulier ecce filius tuus (Mujer, ahí tienes a tu hijo): “..et tu, ecce mater tua” (y tú ahí tienes a tu madre). La tercera palabra es un grave en Mi Mayor, escala que se asocia a sentimientos negativos. En este caso sería la tristeza de una madre que ve impotente cómo su hijo se está muriendo. Este dolor, sin duda es universal y la versión coral hace un ruego a la Virgen para que al igual que hizo con su hijo, esté también con nosotros, pecadores. En otras palabras, sería una variación del Stabat Mater tradicional (un poema en latín que narra justo este momento. Este movimiento es el más largo de toda la obra.
   
   
5. Sonata IV. Deus meus, Deus meus, utquid dereliquistime? (Dios mío, Dios mío, ¿Por qué me has abandonado?: Un largo en fa menor. No es casual, dado que esta escala se asocia con la melancolía, la desilusión, así que va muy acorde a este sentimiento que tiene Jesús al verse abandonado por su Padre. El texto del versión coral, no obstante, responde a esa pregunta que si bien Jesús puede pensar que su Padre lo ha abandonado, nosotros como cristianos no haremos lo mismo y le agradecemos todo su sufrimiento, dando así, un mensaje algo más positivo.
   
   
6. Segunda Introducción: Este interludio escrito en La menor sólo se incluye en la versión coral, en las otras tres versiones no aparece. Con él daría paso a la segunda parte del Oratorio y es un largo.
   
   
7. Sonata V. Sitio (Tengo sed): En contraposición a la introducción, aquí nos encontramos en La mayor a tempo de Adagio. En la versión coral, esta vez el coro no declama la palabra, sino que lo hace el tenor, a modo de Evangelista. 
   
   
    
   
   
   El coro en este caso, comenta con rabia la crueldad del momento en el que dan a Jesús vinagre empapado en una esponja. Las cuerdas por su parte, al principio suenan en pizzicato para simular las gotas de agua.
    
8. Sonata VI. Consummatum est (Todo está consumado): Al igual que en el segundo movimiento, Haydn vuelve a combinar dos escalas homónimas, pero esta vez empieza en Sol menor para terminar en Sol mayor. 
   
   
    
   Y lo hace porque Sol menor era la antigua tonalidad que representaba la muerte, por tanto el cambio al final implica un triunfo sobre ella. Todo ello a un tempo lento. 
    
9. Sonata VII. Pater, in manus tuas comendo spiritum meum (Padre en tus manos encomiendo mi espíritu): Aquí Haydn utiliza Mi bemol mayor, que es la antigua tonalidad del amor. Tiene sentido ya que con su muerte; Jesús redime a la humanidad de sus pecados, por tanto su muerte es un acto de amor. En la versión coral, la última palabra la tiene el bajo solista, en pianísimo simulando ese último suspiro que dio Jesús antes de morir.
   
   
10. Il terremoto. Presto con tutta la forza: Este sería el único movimiento rápido y también el más breve de todos los movimientos. Se interpreta inmediatamente después del anterior y sin pausa. De nuevo utiliza Haydn el Do menor, pero esta vez mantiene la tonalidad hasta el final sin cambios. Es en el único momento de la partitura que se marca Fortísimo (ff), con el sonido rápido de las cuerdas y el uso de la percusión para causar el efecto. 
    
    
    En la versión coral es el único movimiento cantado íntegramente por el coro sin la intervención de los solistas (aunque éstos se unirían a él lógicamente). Termina, como era de esperar de forma abrupta y seca. Personalmente me gusta mucho este movimiento.

Como se puede contemplar para evitar la monotonía, Haydn utilizó una gran gama de escalas alternando en modos mayores y menores para así no fatigar al oyente dado que todos los movimientos presentan tempos lentos. Haydn se mostró siempre satisfecho con su obra y fue además la última obra que él mismo dirigió (en Viena en 1803).

 

A nivel personal he estado trabajando esta partitura en su versión coral y participando en la parte de los tenores. A diferencia de otras obras, ésta en concreto no resulta especialmente difícil para un cantante profesional, pero no por ello es menos compleja ni mucho menos ya que se mueve a menudo en el registro alto del tenor (y para mí que apenas estoy empezando, es bastante difícil). En un principio la íbamos a presentar en este mes de Abril, pero debido al estado de Alarma ocasionado por el corona virus el concierto ha sido cancelado. Así que ésta es mi forma de presentar la obra. De los movmientos aparte del Terremoto diría el que mas me gusta es el VI, sobre tudo su final es bastante impresionante.

En cualquier caso, Las Siete Palabras es una de las piezas sacras más amenas y más íntimas que merece ser escuchada y apreciada independientemente sea uno creyente o no. Al fin y al cabo, el Arte va más allá de creencias religiosas, pues el Arte hace que provoque en nosotros diversas emociones.

GRABACIONES

CD Y DVD

De la versión para orquesta, tomo como referencia la grabación que hizo Jordi Savall en el Oratorio de la Santa Cueva. Savall sabe dirigir con precisión y en un intento de ser fiel al contexto de la obra, antes de cada sonata incluye un recitado en latín de cada palabra litúrgica. Sin duda Es la mejor versión que he encontrado de la obra.

Para la versión coral no hay aún en formato audiovisual y en cd cada vez es más difícil encontrar grabaciones a buen precio. Así que me he decantado por la versión de Harnocourt. Es un pelín lenta para mi gusto pero es bastante solemne, lo cual le va bien al espíritu de la obra.

Con esto finalizo esta entrada dedicada a esta obra de Haydn. La próxima volveré con... pues no tengo ni idea la verdad. Creo que voy a ir con otro trabajo de Donizetti que es del que tengo más obras... o ese Verdi que tengo por ahí rondando... O también ese Mozart... Ya veré.

Nos vemos.

El cruzado ejemplar: Rinaldo de Handel, II

ANÁLISIS 

Rinaldo supuso la carta de presentación de Handel para Inglaterra y la que le abrió las puertas del éxito. A partir de esta obra que sería su séptima ópera, sólo trabajaría casi exclusivamente para Inglaterra y una gran mayoría se estrenarían en el Queen's Theatre, que luego pasó a llamarse King's Theatre y que actualmente es el Her Majesty`s Theatre, cuyo propietario es el Really Useful Group, que es la empresa fundada por Andrew Lloyd Webber.

Lo que ha evolucionado ese teatro, pero siempre ha conservado su principal función que era alojar espectáculos musicales que gustasen al público. Y es curioso, porque si ahora sólo se ven ese teatro musicales de un sólo compositor, en el siglo XVIII también pasaba prácticamente lo mismo y en su mayoría se veían óperas de Handel.

Parece que el componer bajo presión a veces da buenos resultados. Handel, cogiendo un poco de aquí y otro de allá, logró una obra bastante coherente y bastante resultona, teniendo en cuenta además que la ópera seria era más bien un conjunto de arias da capo enlazadas con recitativos. A nivel dramático nos encontramos con una ópera de rescate, en la cual el caballero andante va a salvar a la princesa cautiva. Cabe destacar que el personaje de Almirena no existe en el poema original de Tasso, creando así una especia de triángulo amoroso entre Armida, Rinaldo y Almirena. Triángulo por llamarlo de alguna manera, porque hay nos encontramos con una pareja consolidada y una tercera persona que se quiere meter de por medio. Y encima pagana. Lo que hay que aguantar.

Tal y como yo lo veo, Handel (más bien su libretista) nos presenta dos retratos de mujeres muy distintas, por un lado, la ideal cristiana, sumisa y desvalida (vamos el ideal de mujer de la época) en el personaje de Almirena, frente al independiente, bárbaro y seguro de sí mismo que sería Armida. Como personaje femenino, me parece mucho más interesante el de Armida, razón por la cual, las sucesivas interpretaciones de esta obra (como ya vimos en el caso de Rossini, se centran en ella. Y es que esta obra sin quererlo, hace más atractivos a los antagonistas que a los héroes, ya que son éstos los que más evolucionan. Los caballeros templarios (Rinaldo, Goffredo y Eustazio) son prácticamente el mismo personaje y salvo Rinaldo que si tiene una paleta de colores más acentuada, los dos son prácticamente idénticos. En cambio, tanto Armida como Argante presenta una evolución que van desde la traición, el amor hasta su rendición y redención final cuando se pasan al cristianismo.

A nivel musical nos encontramos con varias arias de cierta hermosura, aunque la más famosa, “Lascia ch'io pianga” está tomada del primer oratorio que compuso Handel en Italia, Il triunfo dil tempo e del disenganno (El triunfo del tiempo y del desengaño, 1707) y originalmente era un aria llamada Lascia la spina, que, a su vez, la melodía está basada en una sarabanda que compuso para su primera ópera en Alemania, Almira. Un aria lenta pero llena de sentimiento, así como el lamento de Rinaldo por cuando pierde a su esposa al final del primer acto, Cara sposa. Aunque como ya comenté en el apartado de los datos históricos, éste no seria el único préstamo que Handel tomaría de su obras para Italia. El primer aria de Argante, está tomada de una cantata, Acis, Galatea e Polifemo, y de nuevo Almirena toma prestada un pasaje de Agrippina para otra de sus arias. Estos préstamos eran habituales en la época y lo seguirían siendo hasta bien entrados en el siglo XIX. El resto nos encontramos arias de bravura para todos los personajes, lo habitual en la ópera barroca.

Rinaldo supone una de las óperas más básicas del barroco, con una música muy interesante, pero como pasa con la ópera barroca hay que tener paciencia para escucharla porque toda la historia se basa en los recitativos secos.

De esta ópera lo que único que podemos aprender es que las guerras son todas muy absurdas. Y las de religión más.

GRABACIONES

CD

Éste sería uno de los últimos registros de esta ópera y nos presenta la primera versión, la de 1711. Handel retocó varias veces la obra, pero la primera es la más completa por así decirlo. Destaca con un gran reparto siendo el contratenor David Daniels en el rol titular y a Cecilia Bartoli como Almirena. El resto del reparto así como la orquesta están sobresalientes.

DVD

En cuando al mercado audiovisual... bueno, con la ópera barroca suelen hacer producciones un tanto extrañas. Ésta en concreto trasladan la acción a... un colegio y todo parece que es la obra de fin de curso, siendo los antagonistas los ¿profesores? La verdad es que no he entendido muy bien la propuesta pero, es muy entretenida de ver y a nivel musical está bastante bien.

Pues ala, yo pensaba que con esto de la cuarentena iba a ser más productivo con el blog pero ya veo que no. Así tendré más tiempo de prepararme el próximo... que no tengo ni idea sobre qué voy a escribir. Como se acerca Semana Santa creo que trataré otra obra sacra.

Nos vemos.

El cruzado ejemplar: Rinaldo de Handel, I

Ya que en la anterior entrega estuvimos viendo las aventuras y desventuras de Rinaldo y Armida, vamos a ver cómo se presentaba este tema en el siglo XVIII cuando la ópera seria estaba en pleno apogeo.

Rinaldo es una ópera en tres actos con música de Georg Friedrich Handel y libreto de Giacomo Rossi, estrenada en el Teatro Queen's Haymarket de Londres el 24 de febrero de 1711.

Tiene una duración aproximada de 175 minutos (dos horas y cincuenta y cinco minutos).

BREVES DATOS HISTÓRICOS

Tras pasar algunos años en Italia, en 1710 Handel se trasladó a Alemania, donde se convirtió en maestro de capilla del príncipe de Hannover, Jorge, heredero de la corona de Inglaterra. Así, Handel se trasladó también a Londres y allí recibió la oferta de componer una ópera para el teatro de la Reina. El empresario de dicho teatro, Aaron Hill, le propuso como escenario principal la historia de Rinaldo, personaje que sale en el poema de Tasso, Jerusalén liberada y a esto que Handel aceptó.

La ópera la compuso con prisas y reutilizando piezas de obras que había compuesto en su estancia en Italia. 

Para la première, Handel contó con el castrato Nicolini, que era un cantante de cierta fama para el rol principal y la ópera fue un éxito rotundo. Si bien es cierto que algunos críticos no vieron con buenos ojos que la influencia italiana se mezclara con el arte inglés. al público en general le gustó bastante. En años posteriores, (1717 y 1731), Handel hizo cambios en la partitura. La ópera fue desapareciendo paulatinamente, y estuvo olvidada durante prácticamente 200 años. 

Actualmente no se representa mucho, pero es de las más populares de Handel.

ARGUMENTO 

La acción se desarrolla en Tierra Santa, durante la Primera Cruzada (1096-1099).

ACTO I

Escena I: El campamento cristiano

Goffredo, capitán general de los cruzados (mezzo-soprano), convencido de su inminente victoria promete a uno de sus generales Rinaldo (contralto o contratenor) la mano de su hija Almirena. 

La joven por su parte (soprano o mezzo-soprano), anima a su amado a que se concentre en la batalla para así poder obtener su mano. Mientras tanto llega un heraldo que anuncia la llegada del Rey Argante, (bajo) quien está al mano de las tropas enemigas.

 

Eustazio, hermano de Goffredo (contratenor o contralto) imagina que el rey querrá una tregua, cosa que efectivamente  así es. Goffredo le concede una tregua de tres días. Se queda Argante solo y espera a la hechicera Armida (soprano) quien llega en carro alado. Armida le comenta al rey que su victoria estaría asegurada si logra que Rinaldo no lidere las tropas cristianas. 

Escena II: Un jardín

Almirena está tranquila viendo las flores cuando llega Rinaldo y tontean un poco.

En ese momento llega Armida quien logra secuestrar a la muchacha, dejando a Rinaldo desesperado e impotente.

Llegan Goffredo y Eustazio. Ante tal situación le aconsejan a Rinaldo que vaya a pedir ayuda a un mago cristiano que vive por la zona.

 

Rinaldo parte en su búsqueda acompañado de Goffredo y Eustazio.

ACTO II

Escena I: El mar

Los tres caballeros se encuentran en un barco rumbo a la cueva donde vive el mago cuando viene otra embarcación donde una mujer (soprano) dice a Rinaldo que viene de parte de Almirena y lo invita a subir.

 
Entre tanto, dos sirenas cantan sobre el amor y los otros dos caballeros, pensando que es una trampa, intentan retener a Rinaldo, pero fracasan y Rinaldo se va con la mujer. Goffredo piensa que lo mejor sería regresar y retomar la lucha contra Argante.

Escena II: El jardín del Palacio de Armida

Almirena se lamenta por su cautiverio. Entre Argante que le declara su amor y ésta le responde que si tanto la ama podría concederle la libertad.

Conmovido por sus lamentos, Argante decide que la ayudará. Por su parte, Armida está contenta de haber capturado a Rinaldo. Cuando éste se presenta ante ella, Armida le declara su amor, pero Rinaldo la rechaza. Entonces, se transforma en Almirena y trata de seducirlo, pero Rinaldo se da cuenta del engaño y la vuelve a rechazar. Se va y Armida jura vengarse.

 

Se convierte de nuevo en Almirena, para volver a a intentar a seducir a Rinaldo, pero se encuentra con Argante quien cae rendido a sus pies. Armida vuelve a su forma original y se enfada con él acusándolo de traidor, pero Argante reconoce que él está enamorado de Almirena y rechaza su ayuda. Doblemente rechazada, Armida decide vengarse también de Argante.

ACTO III

Escena I: La gruta del mago

Finalmente Goffredo y Eustazio llegan a la gruta del mago (contratenor). Éste les dice que tanto Rinaldo como Almirena están en el palacio de Armida, el cual está protegido por diversos encantamientos y bestias. 

Para poder entrar en él, el mago les da unas varitas mágicas. El mago les desea suerte y los envía hasta el Palacio.

Escena II: El jardín del Palacio de Armida y una explanada desierta

Armida está a punto de matar a Almirena para vengarse de Rinaldo, cuando éste llega y lo impide. La bruja convoca entonces a las Furias para que la protejan, pero llegan Goffredo y Eustazio y con las varitas hacen desaparecer el jardín, apareciendo entonces en una explanada a las puertas de Jerusalén. Rinaldo consigue herir a Armida, y ésta se escapa. Por fin, Almirena se reúne con Rinaldo y Goffredo anima a Rinaldo a que se una a él en combate la mañana siguiente para tomar la ciudad.

Por su parte, los sarracenos, con Argante al frente se preparan también para defender sus dominios.

 

Armida se presenta ante Argante y dado que ambos tienen un enemigo común, se reconcilian.

Escena III: El campamento cristiano

Almirena espera ver a su amado coronado. Entre tanto, Rinaldo y Goffredo preparan el plan de ataque y se van, dejando a Eustazio al cuidado de Almirena.

La batalla tiene lugar y finalmente los cruzadas toman Jerusalén siendo capturados Argante y Armida. Para salvar la vida, ambos se convierten al cristianismo. Tal y como prometió, Goffredo concede la mano de su hija a Rinaldo. Y con una alabanza a la virtud termina felizmente esta ópera.